"Если режиссеру или директору частного театра нужен какой-то стимул, то, возможно, им стоит заняться чем-то другим!" Антон Бутаков - Театральный и кинорежиссер, сценарист, директор Центра современной драматургии о регионах, талантах и алхимии успеха.
Хичкок говорил, что самое главное в кино — это сценарий, сценарий и ещё раз сценарий. В драматургии распространено мнение, что ключевое в драматическом повествовании — это конфликт. Пока в истории нет конфликта, противостояния героев с социумом или ещё с чем-то, получается у истории нет повода, так ли это в твоем понимании? Как это не названое правило работает в твоем дебютном фильме «Бесконечный апрель»?
Нет никаких строгих правил и канонов в написании сценария — примеров, когда история рассказана вопреки всем законам драматургии, но фильм получился гениальным, предостаточно. Даже мэтры, часто играли с отсутствием конфликта, превращая его в новый вид напряжения. Главное в сценарии — это нечто большее, чем просто структура и соблюдение правил. Это магия, которую трудно передать словами, она приходит через личный опыт, когда ты погружаешься в работу над историей, размышляешь о ней днем и ночью, когда она начинает тебе сниться.
Образование в сценарном мастерстве, безусловно, важно. Оно даёт базовые знания, но вопрос, насколько оно реально помогает, остаётся открытым. У каждого автора свой путь, и ответы на этот вопрос индивидуальны.
Для меня работа над "Бесконечным апрелем" стала первым серьезным опытом в сценарном искусстве. Без Алексея Федорченко, моего учителя и наставника, который направлял меня, вряд ли получилось бы что-то стоящее. Я горжусь этим сценарием и теми сценами, которые вышли особенно удачными.
После "Апреля" я продолжил совершенствоваться, работая над короткими метрами. Там я оттачивал ремесло: продумывал структуру, мотивацию персонажей, старался избегать интуитивного подхода. Этот опыт теперь помогает мне в работе над новыми проектами. Сейчас, обладая определённым багажом знаний, я позволяю себе отходить от строгих рамок, но всегда возвращаюсь к основополагающим идеям, если понимаю, что что-то пошло не так.
Драматургия, в первую очередь, — это театральная постановка. Особенность истории в пьесе состоит в том, что есть единство места и времени. Как это понимать?
Принцип трех единств — единства времени, места и действия — долгое время считался основой классической драмы. Однако в современном театре и кино этот подход устарел. Сегодня режиссеры и сценаристы предпочитают более гибкий и свободный подход к построению сюжетов, игнорируя строгие рамки, установленные в эпоху классицизма. В наше время важнее передать идею и мысль, чем следовать устаревшим правилам. Современные пьесы становятся короче и лаконичнее, что отражает тенденцию к большей концентрации смысла и минимизации объема текста.
Какие ключевые точки в драматургии, применимы в сценарии фильма?
Всё действительно зависит от подхода. Драматургия — это искусство создания историй, лежащее в основе как театральных пьес, так и сценариев фильмов. Основные принципы драматургии универсальны и могут применяться в обоих случаях. В последнее время я часто задумываюсь об экспозиции — начальной части истории, где раскрываются персонажи, события и контекст. Именно экспозиция должна захватывать внимание зрителей, помогая понять мотивации героев и заложив основу для дальнейшего развития сюжета.
Также нельзя обойти вниманием кульминацию — наивысшую точку напряжения в сюжете, ключевой момент любого фильма или спектакля. Это тот миг, когда всё достигает своего апогея, и судьба героев решается окончательно.
Не менее важен процесс развития персонажей. Как в пьесе, так и в сценарии герои должны быть многогранными, обладать своими мотивами, сильными сторонами, ценностями, целями и слабостями. Только тогда они будут живыми и убедительными.
Конфликт — это фундамент любой достойной истории. Без него невозможно создать напряжение и динамику, необходимые для удержания внимания публики. Даже отсутствие конфликта может нести в себе скрытое напряжение, добавляя глубины и интриги.
Структура также имеет огромное значение. Например, знаменитая трёх актовая голливудская структура, несмотря на свою популярность, остаётся лишь одним из возможных подходов. Но даже отступление от неё требует чёткого понимания принципов драматургии.
И наконец, диалоги. Они должны передавать живые эмоции и мысли персонажей, делая их взаимодействие естественным и убедительным. Через диалоги зритель видит не просто текст, а настоящих людей, взаимодействующих друг с другом.
Эти ключевые моменты помогают создать целостную и увлекательную историю, будь то пьеса или сценарий фильма.
С каким литературным персонажем ты бы поговорил? О, чем?
Если бы я мог встретиться с персонажами из литературы, то, пожалуй, начал бы с Незнайки. Ведь несмотря на его имя, он точно знает кучу интересных штук! А еще обязательно пообщался бы с доктором Пилюлькиным — ведь во втором классе я его играл в школьной постановке. У меня накопилось несколько вопросов по поводу его характера... Ну и вообще, любопытно, как бы мы общались: они маленькие, а я большой. Наверное, пришлось бы присесть на корточки, чтобы не выглядеть гигантом!
Как «поэтика» Аристотеля повлияла на современную киноиндустрию? Как ты думаешь, какие самые яркие умы столетия, внесли особый вклад в развитие нового поколения кино?
Аристотель в своей «Поэтике» заложил основы драматургии, которые остаются актуальными и сегодня, даже если современный зритель об этом не задумывается. Его идеи оказали значительное влияние на формирование кинематографической индустрии, начиная с концепции единства действия, согласно которой каждое событие органически связано с предыдущим, создавая цельный и последовательный сюжет. Эта концепция легла в основу знаменитой трёхактной структуры, ставшей краеугольным камнем голливудской школы сценарного мастерства
Важнейший принцип, сформулированный Аристотелем, — это катарсис, который проявляется в эмоциональной разрядке, испытываемой зрителем в финале произведения. Фильмы, подобные «Острову проклятых» или «Началу» Кристофера Нолана, предлагают зрителям мощное завершение, насыщенное сложными эмоциями, что напрямую отсылает нас к идеалам древнегреческой трагедии. Катарсис в современном контексте означает не только очищение через страх и сострадание, но и возможность сопереживания и осмысления, что делает финал фильма не просто концом, а важным этапом восприятия всей истории.
Особое внимание Аристотель уделял значимости характеров, подчеркивая важность внутренних мотивов и логичности поступков. Современные кинематографические герои, такие как Тони Сопрано из сериала «Клан Сопрано» или Уолтер Уайт из «Во все тяжкие», являются воплощением аристотелевской концепции сложного характера. Их внутренние противоречия, моральные дилеммы и трагические изъяны создают многослойные образы, позволяющие глубже погрузиться в психологический мир героев и ощутить силу воздействия их решений на судьбу.
Таким образом, идеи Аристотеля продолжают жить в современной культуре, формируя понимание того, как создавать истории, способные вызывать глубокие эмоции и оставляющие след в душе зрителя.
Эйзенштейн, Годар, Линч, Нолан, Варда и Дени — каждый из них оставил неизгладимый след в мире кино, переосмысляя и разрушая классические каноны. Эйзенштейн изобрел теорию монтажа, открыв новые горизонты для визуального повествования, Годар бросал вызовы традиционным структурам, вдохновляя будущих новаторов, а Линч погружал зрителя в мир подсознания, демонстрируя, что абсурд может быть частью глубокого эмоционального переживания. Нолан сделал время главным героем своих картин, сочетая научные идеи с глубокой драматургией, а Варда и Дени привнесли женское видение, обогатив кинематограф тонким и субъективным взглядом. Даже те, кто отвергают традиционные подходы, как Ларс фон Триер с манифестом «Догма 95», всё равно вступают в диалог с Аристотелем, подтверждая, что кино — это вечный конфликт между порядком и хаосом, структурированностью и свободой, катарсисом и разрушением привычных норм.
Образовательная программа для актеров из регионов, твое детище. Цели, задачи, планы? Это «шанс»?
Проект «КиноРегионы» представляет собой инициативу, направленную на поддержку и развитие регионального кинематографа в России. Совместно с Арт-кластером «Таврида» и Академией «Меганом» мы стремимся привлечь молодые таланты из различных уголков страны, создав платформу для их творческого роста и самореализации. Наша миссия заключается в формировании и поддержке киногенофонда России, который станет ключевым инструментом для продвижения региональных проектов на национальном уровне.
Основная цель проекта — продемонстрировать, что региональное кино не только существует, но и обладает огромным потенциалом. Мы хотим показать, что в регионах живут и работают талантливые артисты, режиссеры и сценаристы, которые способны создавать качественные и интересные фильмы. Важно подчеркнуть, что развитие киноискусства возможно не только в столичных городах, таких как Москва и Санкт-Петербург, но и в отдаленных регионах нашей огромной страны.
Мы уже начали активную работу по исследованию текущего состояния регионального кинематографа, выявлению проблем и потребностей местных творческих сообществ. На основании полученных данных мы планируем разработать стратегии поддержки и стимулирования развития киноиндустрии в регионах. Одним из наших амбициозных планов является организация фестиваля, который станет площадкой для демонстрации лучших работ участников программы.
Этот проект открывает уникальные возможности для молодых талантов, предоставляя им шанс заявить о себе на всероссийском уровне. Мы верим, что «КиноРегионы» сможет стать мощным стимулом для развития культурного разнообразия и обмена творческими идеями между регионами.
Процесс реализации проекта непрост и требует значительных усилий, однако мы уверены, что результат оправдает все ожидания.
Твой спектакль «Собачье сердце» отобрали из множества сотен спектаклей в Золотой Фонд России. Какими инструментами восприятия ты воспользовался в нем? Чем он так хорош?
«Собачье сердце» — это редчайший случай театральной алхимии, когда результат превосходит любые ожидания, и ты сам не можешь понять, как это произошло. Спектакль получился поистине великим, и я имею полное право так утверждать, ведь это не только моя заслуга. Здесь сработало коллективное творчество, и за полтора месяца мы создали нечто невероятное — мощное произведение с великолепными ролями и глубоким посылом. Объяснить, как именно это было сделано, невозможно. Можно лишь рассказать, о чём идёт речь, но лучше всего — увидеть всё своими глазами.
Илья Кормильцев говорил: «Человек должен 90 лет прожить так, как будто ему всё время 18». Сейчас 18 летние совершенно другие по восприятию мира, перефразировал бы это изречение? Или все так и есть?
Нельзя оспорить ни одно высказывание Ильи Кормильцева. Наши родители, мы сами — все проходили через этот возраст, и чувства, переживания остаются неизменными. В этом и кроется сила искусства: произведения, созданные десятилетия назад, продолжают находить отклик у читателей и зрителей, ведь они касаются вечных тем. Если кто-то утверждает, что современные подростки отличаются от Холдена Колфилда, это звучит смешно. Переживания, через которые проходит герой романа, близки каждому поколению. Меняется лишь форма, но суть остается прежней.
Жизнь и творчество Ильи Кормильцева подтверждают эту истину. Он внес огромный вклад в музыку, переводческую литературу и многое другое. Его пример показывает, что неважно, что ты делаешь и как ты это делаешь, главное — зачем.
