Редакция Lifestyle Мода Интервью Beauty Ресторация Пространство
На языке искусства
Текст: Редакция Фото: Личный архив

Антон Козлов, коллекционер российского современного искусства и автор YouTube-канала «Пока все дома у Антона» – делится любимыми работами своей коллекции и рассуждает о ценности современного искусства.



Image_03.jpg

Всё лучшее в мировой истории искусства когда-то было диким, раздражающим и современным

Ваша цитата: "И хотя сегодня искусство утратило свою власть и ни на что больше не влияет, только оно способно адекватно запечатлеть и сохранить суть исторического момента во всем его безумии и противоречии". Сегодня действительно искусство ни на что не влияет?

Тот пласт культуры, который меня интересует, гордо носит приставку «современная». И моя цитата касается именно положения современного искусства в России. Его язык по своей природе отягощен самоиронией, критикой, свободолюбием, открытостью, всепринятием, гуманистическими ценностями и многим другим, что сложно встраивается в строгие рамки. В условиях близких к маргиналии и отсутствии музейного интереса, лучшими российскими художниками на протяжении последних семидясети лет создается искусство сопоставимое по художественному качеству с западным. И вопрос, когда мы сможем это оценить и будем им гордиться — зависит только от нас.

Как вы считаете, как можно заинтересовать поколение Z искусством?

Ключевая проблема — в отсутствии качественного предложения современной визуальной культуры. Поколение двадцатилетних сегодня, благодаря контексту глобализованного мира и социальных сетей, крайне открыто любому новому опыту. Мне кажется, что современное искусство для них настолько же естественно, как для старшего поколения пейзаж или бронзовая скульптурка. Так что мировой рецепт решения этой задачи прост: строить музеи современного искусства и создавать индустрию современной культуры. Никакого иного пути развития, к сожалению, нет.

Нужно ли делать искусство более массовым, пропагандировать его? Или пусть оно остаётся элитарной формой культуры?

Искусство всегда будет в какой-то степени элитарно, но сегодня эта элитарность больше не строится на деньгах. Она достигается посредством вашего желания погружаться и разбираться в нем. Ведь искусство не обязательно покупать (коллекционер лишь одна из десятков ролей в этой сфере), а участвовать в процессе можно и собственными знаниями, увлеченностью и насмотренностью.

Почему некоторые произведения искусства становятся популярными, а другие остаются неизвестными?

Над ответом на этот вопрос ежедневно бьется всё арт-сообщество, ежедневно критикуя, обсуждая и изредка восторгаясь. «Остаться в вечности» равно «войти в историю искусства». В неё входят определенные работы, определенных периодов, определенных художников, которые были самыми точными, честными, эмпатичными и современными в период создания своих работ. Из этих вершин или шедевров выстраивается история искусства, к которой и подтягивается остальное, которое мы тоже сохраняем в вечности. Я, как вы заметили, подвожу вас к мысли, что все лучшее в мировой истории искусства когда-то было диким, раздражающим и современным.

Затмевает ли концептуальная идея художественный навык автора сегодня?

В хорошем искусстве концепция и пластика гармонично сочетаются и взаимоопыляют друг друга. Но я не хотел бы заходить на территорию обсуждения создания объектов искусства — это поле всецело принадлежит художникам. Скажу лишь, что без убедительности идеи, как и без убедительности художественного языка — хорошего не случится.



1. Ирина Корина. Пятый элемент, 2014.

Ирина Корина — один из главных художников в современном российском искусстве в целом, и в моей коллекции в частности. Поэтому на моей выставке представлено сразу несколько ее работ, каждая из которых — цельный материал для рефлексии о цикличности и природе времени. Работы Ирины погружают зрителя в зыбкое пространство без понятных координат и смысловых ориентиров, тревожное и «сюрреалистичное». Именно с покупки на ярмарке Cosmoscow объекта Кориной «Пятый элемент» и началась моя коллекция российского современного искусства.


Image_04.jpg


2. Александр Виноградов и Владимир Дубосарский. Делай как мы!, 2006.

Без дуэта Виноградова и Дубосарского сложно представить российскую арт-сцену девяностых и нулевых годов. Работая вместе без малого двадцать лет (с 1994 по 2014 годы),  художники саркастично и точно фиксировали манкую и, простите, гламурную реальность того времени, выраженную в рекламных плакатах и глянцевых журнальных страницах. Вот и героини работы из моей коллекции — «Делай как мы!» — явно живут свою лучшую жизнь в идеализированном, залитым искусственным солнцем бассейне, на фоне огней ночной Женевы. Вспомните, в массовой культуре именно наличие бассейна стало синонимом физического и бытового комфорта, признаком определенного уровня статуса и достатка. Ночь, вода — девушки на этой картине улыбаются и призывают зрителя делать, так же как и они. И если слоганы в рекламе можно рассматривать как инструмент формирования нашего восприятия и желаний, то здесь повисает немой вопрос: а к чему же призывают эти девицы?


Image_08.jpg


3. Виталий Черепанов. Аппензеллерские пейзажи, 2023.

Как же не показать в Екатеринбурге работы Виталия Черепанова, родом из Нижнего Тагила! Я рад, что на выставке получилось представить две совсем новых картины, созданных после его переезда в Европу в 2023 году. Как мы знаем, творческий метод художника заключается в соединении собственной жизни и искусства. И перед нами, несомненно, гриб от этой грибницы. Обе части диптиха выполнены в классической наивной стилистике искусства, которым на досуге занимаются жители Аппензелля — маленького швейцарского городка. Виталий примеряет на себя такой метод создания произведений, но спотыкается об опыт уральской индустриальной действительности.


Image_07.jpg


4. Аня Желудь. Учреждение культуры-2, 2008-2020.

Сварка металла — архетипически «не женское дело». Оттого еще интереснее, что художница Аня Желудь выбрала именно эту практику наряду с живописью, как основную для создания собственных художественных произведений. Полые металлические инсталляции художницы сильно напоминают графический рисунок, только вместо карандашной линии перед нами – тяжеловесные конструкции, белым листом для которых становится само пространство выставочного зала. Металлический прут здесь вычерчивает «набросок» в трехмерном пространстве, выявляя экзистенциальную пустоту, скрытую за холодным и жестким каркасом предметов. Инсталляция «Учреждение культуры» входит в число программных для автора. Пространство инсталляции отсылает к образу типового культурно-досугового центра: публичная зона таких учреждений неизменно украшалась изображениями выдающихся деятелей или наглядными пособиями, на видном месте стояло пианино, а вдоль стены расставлялись казенные стулья. Только забытый кем-то портфель обнаруживает, что где-то в этом учреждении, возможно, продолжающим функционировать лишь по инерции, теплится жизнь.


Image_06.jpg


5. Егор Федоричев. Комната Ипатьева, 2018.

 

Егор Федоричев – сибирский художник и настоящий панк. Музыка и визуальные искусства играют для его художественной практики равнозначное значение. И, если музыку коллекционировать сложно, то живописные объекты Федоричева я собираю с большой радостью. На выставке в арт-галерее Ельцин Центра представлено три работы Егора, но показать в Екатеринбурге «Комнату Ипатьева» мне хотелось особенно. Трагичный сюжет Федоричев раскладывает на выразительные детали – его живописная ткань больше похожа на театральную декорацию, чем на привычную нашему глазу картину. Препарируя известные сюжеты, Егор очень точно напоминает о тех исторических событиях, которые достойны глубокого и внимательного изучения.


Image_05.jpg


 


Поделиться